Entretien – Tom Hooper

Voici le premier de nos trois entretiens avec l'équipe du très beau film "The Danish Girl", vu à Venise en septembre.

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Tom Hooper
Image © Asac - la Biennale di Venezia

Cette année à Venise, Le Billet a pu consacrer davantage de temps à des rencontres et interviews grâce à la présence supplémentaire de notre chère Milena. Nous vous avons présenté il y a quelques jours notre rencontre avec Marco Bellocchio, et durant les semaines suivantes, nous allons partager avec vous les restant de nos entretiens de cet été, à commencer par l’acclamé réalisateur anglais Tom Hooper.

Continuant dans la lignée de ses deux derniers films, Le Discours d’un Roi et Les Misérables, Tom Hooper était en compétition à Venise avec son film The Danish Girl, un film émouvant dont notre avis peut être lu ici. Racontant l’histoire de Lili Elbe, la première personne à subir une opération de changement de sexe, The Danish Girl a suscité énormément d’attention par son thème, ses acteurs et sa réalisation. Une vingtaine de journalistes se sont entretenus avec M. Hooper, mais aussi avec les deux acteurs principaux Alicia Vikander et Eddie Redmayne.

Pendant un peu plus d’un quart d’heure, nous avons parlé de la communauté transsexuelle, de ses inspirations, de la genèse du film et des thèmes communs à ses films.

The Danish Girl sortira le 20 janvier 2016 dans les salles de cinéma romandes!

Propos recueillis et traduits par Mark Kuzmanic

Version française plus bas.

TH : Tom Hooper
MK : Mark Kuzmanic
AJ : Autres journalistes

AJ : The transgender theme has been getting a lot of exposure in 2015. Why is this year the year of the transgender?

TH : When I first wrote the script in the end of 2008, and started thinking about making the film, it was considered a very hard film to finance, and we saw it more as a « if I do this, it will be a small passion project I’m just doing for myself » and I didn’t know if I could even do it as a movie. Now people kind of go « What an obvious film to have made » and you reflect on it thinking that at the time it wasn’t that obvious. I believe that it’s an indication that the climate has shifted in an extraordinary way in seven years, the speed of change is unbelievable, and I think it shows that trans narratives are becoming more acceptable. Soon I believe that the fact that stories are coming from a trans narrative will not even be newsworthy.

AJ : Is it exciting for you, delving into this kind of world?

TH : You only see the patterns in your choices in retrospective. What’s interesting is that both The King’s Speech and The Danish Girl had their genesis around the same time, even though this movie has taken me longer to make. Both of these films however have similar themes; the theme of having blocks between us and the best version of ourselves. Those blocks can be shyness, insecurity, anxiety, addiction or depression. What I’m drawn to is this idea that if you’re struggling with yourself, if you’re marginalising yourself, or if it’s because society is marginalising you, the most likely agency of change is to be loved. If you can just be loved, then you’re most likely to find who you are, or be allowed to be who you are. For me, I don’t know where that feeling comes from, since I’m the product of a very loving family. When I announced at the age of twelve that I wanted to be a filmmaker, I had a loving response, I didn’t have parents telling me to forget my dream and not bother. Maybe it’s talking about the love that I experienced as a child that makes me keep coming back to this theme.

MK : Speaking of the themes and your directing projects, what is the main difference you feel between directing a feature film, a TV film or even a TV series?

TH : Maybe controversially, I don’t think there is a difference. When I was directing television, I always thought I was directing a full feature film. From quite early on, certainly in my HBO days (editor’s note: Elizabeth I and Longford, in 2005 and 2006), you’d always start with a big screen premiere. You’d be used to the idea that whatever you direct might be shown on the big screen. Also, the strange thing is that the best television that I ever saw was Apocalypse Now, which I saw on TV, it was The Godfather, which I only ever saw on TV. I grew up seeing most of the best movies on my VHS tapes, and that’s the best television I have ever seen. So I feel like I see it all the same.

« The best television that I ever saw was Apocalypse Now, which I saw on TV, it was The Godfather, which I only ever saw on TV. I grew up seeing most of the best movies on my VHS tapes, and that’s the best television I have ever seen. »

AJ : There must have been a lot of research put into the transgender issues but also the Danish environment. Can you tell us more about it?

TH : On the transgender side, I read widely. The book that I really recommend is Conundrum, by Jan Morris. To me, it should be part of the canon of great literature, it’s an extraordinary, beautifully written book, and Jan talks very eloquently about this idea that even after transition (editor’s note: the process trans people undertake to bring their body and their gender expression into alignment with their inner gender identity), there is a part of her that feels that there is an even greater unity she could be part of, to reach towards some greater togetherness that still eludes her but still tempts her or interests her, so that was massive for me. There were also trans men and women who we have met, and the one I owe the biggest debt to was Lana Wachovski. I had very early conversations with her, and she’s an expert on these kind of stories now, she was very generous with ideas. One of the brilliant ideas I owe to Lana was using Art Nouveau as a setting for Lili, because Art Nouveau represented this phase when the masculine design was rejected; the straight lines, the monochromatic were displaced in favour of the feminine, with Art Nouveau bringing curves and the use of colours. We see this in the film, when we go from this classic Danish world, which was inspired by the paintings of Hammershøi, with all the pallets of blue and grey. We built an apartment that was inspired by Hammershøi’s own apartment and we also shot in a Danish college of art, which again was in these blue and grey variations. There’s a sort of claustrophobia in this very precise but beautiful tonality. Paris, on the other hand, was this explosion of Art Nouveau, and I wanted it to be some kind of visual backdrop to the journey.

« There were also trans men and women who we have met, and the one I owe the biggest debt to was Lana Wachovski. »

MK : Speaking about the presence of art, who painted all of the paintings that we see in the movie ?

TH : It’s funny, because I was very much into the idea that we needed to use the actual, real paintings in the film. And then, at a certain point, I realised that the Lili in the paintings isn’t actually Eddie Redmayne, and there was the slight flaw in my quest for authenticity! (laughter) So we had a wonderful painter called Susie who did a lot of the work, but it was actually taking quite a lot of time to get it right, as I was trying to honour the original style. So when we compare her work to the paintings of Gerda and Einar, I believe it’s very much in the style of the two artists.

AJ : I’ve been doing some reading, and there are certain things that don’t follow with the film. For example, Lili had five operations and that it was actually the fifth one, where she was trying to have ovaries implanted, where she died. Also, Gerda is believed to have pushed Einar into having the operation, and some other elements seem to be going against the events in the movie.

TH : Well first of all, it’s extremely hard to get at the truth of the matter. The story itself required a lot of research, where we found a lot of conflicting evidence, with what’s available online only being accurate to some extent. Yes, she did have five operations, and as far as I can remember the one where she had ovaries implanted was the third one, where there was tissue rejection, but she survived that one. There was, online, a story about her wanting a uterus implanted, which is not true, so I delved into it but it became dizzyingly complicated to actually say what was 100% true. Part of this is due to the hospital records being destroyed by the Nazi regime, so the best source is lost. However, I’ve always seen this film as an adaptation of a novel, which is already a fictionalised version of their story. David [Ebershoff, the author of the novel], to be fair to him when he wrote the book in the late 1990s, had even less information available than there is now, as there’s been more academic research done since, and I personally would never want to hold up this film as a documentary film. There are things that I found quite challenging, from a cinematography point of view, for example that there were two operations, which means that there were repetitions in those scenes that were quite hard to manage. If you had five, it would have been very repetitive as a whole. I suppose I invoked the need to have artistic license in to create something that has a unity. But I hope that the spirit is as accurate as possible; it is as accurate as I could get it.

« I’ve always seen this film as an adaptation of a novel, […] and I personally would never want to hold up this film as a documentary film. »

AJ : You say you were quite young when you realised you wanted to make films. What was the point that made you become aware of that?

TH : I some sense, and it’s curious to say, we talked about blocks between you and what you want to be. As a twelve-year-old boy I thought « I’m a feature film director », and there was this massive block that was the fact that I was twelve, and that as much you say you want to be a movie director, nobody is going to let you do it! So the first years of my life were dedicated to getting rid of this obstacle, to allow myself to do the thing that I wanted to do.

AJ : Did anything inspire you, when you were twelve years old?

TH : It was a combination of many things in life. It was a great teacher, an amazing teacher at school called Roger Mortimer, who put on a play every year, and I acted in it every year. I fell in love with drama, with theatre, with acting. Then it was picking up a library book that was lying around, that was about film and TV, and that made my mind up. I just got hooked on that. But it was definitely the experience of acting. I think that most directors are failed actors, which is funny since I realised that if at twelve years of age, I wasn’t getting the lead parts in school plays, I could forget about my acting career! (laughter) Which was a good thing.

« I think that most directors are failed actors. »

AJ : Why are you attracted to characters that battle with themselves, their destiny and their disability?

TH : I don’t know to be fair. I’m often interested in characters who are struggling at the margins. The truth about directing is that it’s one long struggle. It’s a very masochistic thing to do. You’re very rarely happy, you’re almost always haunted by the sense that there’s something you could have done better, and your mental life is very anxious. Maybe in some ways, I identify with dramatic characters who are encased in struggles. But of course, I’m not comparing myself to the levels of struggle of my characters.

« The truth about directing is that it’s one long struggle. »

AJ : How was working with Eddie Redmayne when doing some of the more explicit material, the nude scene for example?

TH : He’s an incredible professional. Eddie, being Eddie, would be more worried that you found it difficult, such is his will to put people at ease. That’s more important to him rather than worrying about himself. But actually, regarding that scene, it was quite special. Due to the nature of the scene, we stripped away a lot of the crew, and it was a very intimate number of people making it. It had this feeling of being a powerful scene at the time you were shooting it, but sometimes you look at the rush and you don’t feel that magic anymore. This scene was one of those truly powerful moments, and it remained so throughout. It was the turning point for him.

AJ : Did you have a feeling of sometimes being too rhetorical in the film? In a sense that, with the ending sequence for example, it’s really playing with some symbols.

TH : I found that the film allowed me some poetic license, as both of the characters are artists, and they were people who were very visual. Therefore, there were visual metaphors worked into the film, such as the use of water. Like Venice, Copenhagen is a canal city, and we see the reflections in bodies of water throughout. Lili names herself after the river Elbe, for example. But it’s a delicate thing to get right.

AJ : You said that, talking about Eddie, that there was sort of anxiety. For him, probably the physicality of the role wasn’t difficult, but it was rather the mental aspect of becoming Lili that was challenging?

TH : I think Eddie felt very, very strongly the responsibility of playing a trans character, in terms of his responsibility to the trans community. He researched this role for a year before we started shooting, full time preparation. And that’s what’s amazing. What’s really interesting is that in the moment of shooting, the research, the meetings and the preparation do not burden him; he can still be in the moment. And there are risks that, in doing all the preparation, the moment the camera turns on you forget how to play all that you have learned. But he has a gift of always turning it into something playable.

AJ : In the beginning of the movie, we see that Einar and Gerda share a happy marriage and they obviously love each other. Was there a point where it all seemed too positive, too perfect?

TH : Actually, Lana had told me to make sure that it doesn’t look too idyllic early on. And there are little clues, early on, like when Eddie goes into the opera house and the way he touches the fabric, or the way he looks at Amber Heard’s character, or even being uncomfortable in the gallery. These are all cues, even the high-collared shirts he wears, that should make you feel he’s inside a suit of armour. But you also need to show what’s at stake in their love. There was always a balancing act between showing what wasn’t perfect, but also showing how amazing their love was from the start.

AJ : Did you know Lana Wachovski before this film?

TH : No, it was through Eddie that I got to meet her. (Editor’s note: Eddie and Lana Wachovski worked together on Jupiter Ascending)

AJ : Is making films everything you expected it to be when you were dreaming about become a film maker?

TH : It’s probably much more painful, in a sense that I experience difficulty on set as unhappiness. When I shoot something that I don’t feel is right, I experience it on a personal level. The system in your body, happy or not happy, is connected to the barometer of what’s happening on your set. So it’s a quite draining thing to do, directing films. To be fair, I remember some films I made as a teenager, I was in tears. Those were the days when physically making a film was harder, the loading of the film, the clockwork cameras, the changing, and when things would go wrong it would be very upsetting.

« I experience difficulty on set as unhappiness. »

AJ : What do you think of Alicia in the lead role for the film?

TH : I always thought that, for The Danish Girl, Alicia and Eddie were playing completely equal characters. This is as much her story as it is Lili’s, so that’s good. It’s as much the story about the being the partner of someone going through transition, as well as the actual person going through it. And I love the fact that it’s getting out in the world; I believe it to be important.

AJ : En 2015, la communauté transgenre a eu beaucoup d’exposition médiatique. Pourquoi pensez-vous que 2015 est l’année du transgenre?

TH : Lorsque j’ai rédigé le scénario à la fin de l’année 2008, et commencé à penser à propos du film, c’était considéré comme un film très difficile à financer, et nous l’avions vu davantage en tant que qu’un petit projet qui me passionne et que je fais juste pour moi. Alors je ne savais même pas si je pouvais en faire un film. Maintenant, les personnes pensent que c’est un film évident à faire mais vous devez vous rappeler qu’à l’époque ce n’était pas si évident. Je pense que c’est une indication que le climat a évolué d’une façon extraordinaire durant ces sept dernières années. La vitesse du changement est incroyable et je pense que cela montre que la narrative trans est devenu plus acceptée. Bientôt je pense que le fait que des histoires viennent d’un point de vue transsexuel ne sera même plus quelque chose de remarquable.

AJ : Est-ce excitant pour vous, de plonger dans ce genre de monde?

TH : Vous remarquez les séquences de vos choix uniquement avec du recul. Ce qui est intéressant est que autant Le Discours d’un Roi que The Danish Girl ont eu leur genèse à peu près au même moment, même si ce film a pris plus de temps à faire. Mais ces deux films ont tout de même des thèmes similaires; le thème d’avoir des barrières entre nous et la meilleure version de nous-mêmes. Ces barrières peuvent être la timidité, l’insécurité, l’anxiété, la dépendance ou la dépression. Ce qui m’attire est cette idée que si on souffre avec soi-même, si on se marginalise, ou bien si c’est parce que la société vous marginalise, le moyen de changement le plus probable est d’être aimé. Si on arrive juste à être aimé, alors il est plus probable de trouver qui on est vraiment, ou d’avoir la permission d’être qui on est vraiment. Pour ma part, je ne sais pas d’où vient ce sentiment, puisque je suis le produit d’une famille très aimante. Lorsque j’ai annoncé à douze ans que je voulais être un réalisateur, j’ai eu une réponse très affable, je n’avais pas de parents qui me disaient d’oublier mes rêves et de ne pas essayer. Peut-être c’est de parler à propos de cet amour que j’ai vécu en tant qu’enfant qui me fait revenir vers ce thème.

MK : En parlant de thèmes et de vos projets en tant que réalisateur, quelle est la plus grande différence que vous ressentez entre réaliser un long-métrage, un téléfilm ou bien même une série TV?

TH : Peut-être contrairement à ce qu’on peut penser, je ne ressens aucune différence. Lorsque je réalisais une série, je pensais toujours que j’étais en train de réaliser un long-métrage. Très tôt, et certainement dans ma période HBO (ndlr : Elizabeth I et Longford, en 2005 et 2006), on faisait toujours une première sur le grand écran. Vous devenez habitués à l’idée que tout ce que vous réalisez pourra être diffusé sur le grand écran. Une autre chose étrange est que ce que j’ai vu de meilleur à la télévision est Apocalypse Now, que j’ai vu sur ma TV, c’est Le Parrain, que je n’ai vu uniquement à la TV. J’ai grandi en visionnant quelques uns des plus grands films sur mes cassettes VHS, et c’est le meilleur contenu télévisuel que j’ai vu de ma vie. Donc pour moi c’est un ressenti équivalent.

« Ce que j’ai vu de meilleur à la télévision est Apocalypse Now, que j’ai vu sur ma TV, c’est Le Parrain, que je n’ai vu uniquement à la TV. J’ai grandi en visionnant quelques uns des plus grands films sur mes cassettes VHS, et c’est le meilleur contenu télévisuel que j’ai vu de ma vie. »

AJ : I devait y avoir énormément de recherche effectuée à propos des problématiques trans, mais aussi à propos de l’environnement danois. Pouvez-vous nous en dire davantage?

TH : Concernant la question du transgenre, j’ai énormément lu. Le livre que je recommande vraiment est Conundrum, par Jan Morris. Pour moi, ce livre devrait être considéré parmi les grandes œuvres de la littérature. C’est un livre magnifique, délicieusement écrit, dans lequel Jan parle de façon si éloquente à propos de cette notion que même après la transition (ndlr : le processus que les personnes trans entreprennent pour aligner leur corps et leur comportement avec les identité sexuelle ressentie), il y a une partie en elle qui ressent qu’elle pourrait faire partie d’une unité encore plus grande, qu’elle pourrait tendre vers une sorte d’union supérieure qui la fuit mais est tentatrice, donc ce livre fut clef me concernant. Il y avait aussi des hommes et femmes trans que nous avions rencontré, et la personne à laquelle je suis le plus redevant est Lana Wachowski. J’ai très tôt eu des conversations avec elle, qui est maintenant devenue une sorte d’experte à propose de ce genre d’histoires, et elle était très ouverte avec ses suggestions. Une des idées brillantes que je dois à Lana est l’utilisation de l’Art Nouveau en tant que décor pour Lili, parce que l’Art Nouveau représentait cette phase où le design masculin était rejeté; les lignes droites et le monocolore furent écartés au profit du féminin, avec l’introduction de courbes et de palettes de couleurs différentes. Cela se voit dans la film, lorsque l’on passe de cet univers classique danois, qui fut inspiré par les peintures de Hammershøi, avec ses nuances de bleu et de gris. Nous avions construit un appartement inspiré par le vrai appartement de Hammershøi et nous avions tourné dans un collège d’art danois, qui encore une fois exhibait diverses variantes de bleu et de gris. Une sorte de claustrophobie se dégage de ces tonalités très précises, mais néanmoins très belles. A l’inverse, Paris représente l’éclosion de l’Art Nouveau, et je voulais que cela représente une sorte de rappel visuel au voyage.

« Il y avait aussi des hommes et femmes trans que nous avions rencontré, et la personne à laquelle je suis le plus redevable est Lana Wachowski. »

MK : En parlant de l’importance de l’art, qui a peint toutes les peintures vues dans le film?

TH : C’est une histoire amusante, parce que j’étais très ancré dans l’idée qu’il fallait utiliser les peintures réelles, originales dans le film. Ensuite, à un certain moment, j’ai remarqué que la Lili des peintures ne ressemble pas vraiment à Eddie Redmayne, et qu’il y avait donc une légère faille dans ma quête d’authenticité! (Rires) Donc nous avions eu une magnifique artiste appelée Susie qui a fait la grande partie du travail, mais cela a pris énormément de temps à faire correctement, puisque j’essayais de rester fidèle au style original. Alors lorsque l’on compare son travail aux peintures de Gerda et Einar, je crois que c’est dans la lignée des deux artistes.

AJ : J’ai fait de la recherche, et certaines choses ne collent pas à la vision du film. Par exemple, Lili avait cinq opérations et c’est la cinquième qui lui fut fatale, lorsqu’elle tentait d’implanter des ovaires. Aussi, c’est Gerda qui semblait pousser Einar à faire les opérations, et d’autres éléments me semblaient aller à l’encontre des évènements du film.

TH : Tout d’abord, il est extrêmement difficile de trouver la vérité dans cette histoire. Le récit en soi nécessitait un temps extraordinaire de recherche, car nous avions trouvé beaucoup d’information conflictuelle, et ce qui était disponible en ligne n’était véridique qu’en partie. Oui, elle avait bien subi cinq opérations, et autant que je m’en souviens, celle avec les ovaires était la troisième. Il y avait des rejets de greffe, mais elle a survécu. Il y avait, en ligne, une histoire selon laquelle elle souhait s’implanter un utérus, ce qui n’est pas véridique, mais j’ai du davantage rechercher le sujet et il était de plus en plus compliqué de différencier ce qui est 100% vrai. Ceci est dû en grande partie au fait que les archives de l’hôpital furent détruites par le régime Nazi, du coup la meilleure source fut perdue. Néanmoins, j’ai toujours vu ce film comme une adaptation d’un roman, qui est déjà une version fictionnalisée de leur histoire. David [Ebershoff, l’auteur du roman], pour être correct avec lui lorsqu’il a écrit son roman dans les années 1990, avait encore moins d’information disponible, puisque davantage de recherche scientifique fut effectuée depuis, et personnellement, je n’ai jamais eu la prétention de faire un film documentaire. Il y a certains éléments que j’ai abordé comme un défi pour mettre en scène, comme par exemple d’avoir mis deux opérations à l’écran, ce qui voulait dire qu’il y aurait des répétitions qui seraient très difficiles à gérer. Si j’avais mis cinq opérations, ce serait beaucoup trop répétitif. Je pense que j’ai utilisé la liberté artistique pour créer une sorte d’unité. Mais j’espère avoir transmis l’esprit le plus exact possible; c’est en tout cas le plus exact que j’ai pu le faire.

« J’ai toujours vu ce film comme une adaptation d’un roman, […] et personnellement, je n’ai jamais eu la prétention de faire un film documentaire. »

AJ : Vous dites que vous étiez très jeune lorsque vous avez découvert votre envie d’être réalisateur. Quel était le moment qui vous en a fait prendre conscience?

TH : D’une certaine façon, et c’est curieux de le dire, mais on parlait plus tôt de barrières qui nous empêchent d’être ce que l’on souhaite être. En tant que garçon de douze ans, en pensant « Je suis un réalisateur », il y avait cette énorme barrière qui était le fait que j’avais douze ans, et autant que l’on dit qu’on souhaite être réalisateur, personne ne va vous laisser le faire! Du coup, les premières années de ma vie furent dédiées à éliminer cet obstacle, et de me permettre de devenir ce que je souhaitais être.

AJ : Quelque chose vous a inspiré, lorsque vous aviez douze ans?

TH : C’était une combinaison d’éléments dans ma vie. C’était un excellent enseignant à l’école qui s’appelait Roger Mortimer qui organisait chaque année une pièce de théâtre, et chaque année j’y prenais part. Je suis tombé amoureux de la dramaturgie, avec le théâtre, avec le jeu d’acteur. Après, c’était lorsque j’ai récupéré un livre qui traînait à la bibliothèque qui parlait de télévision et théâtre, et c’était décidé. J’étais accroché au métier. Mais c’était certainement l’expérience de jouer un rôle. Je pense que de nombreux réalisateurs sont des acteurs qui ont échoué, ce qui est amusant puisque j’ai pris conscience que si à douze ans je n’obtenais pas les premiers rôles dans des pièces à l’école, je pouvais oublier ma carrière d’acteur! (Rires) Ce qui est au final une bonne chose.

« Je pense que de nombreux réalisateurs sont des acteurs qui ont échoué. »

AJ : Pourquoi êtes-vous attiré par des personnages qui luttent avec eux-mêmes, avec leur destin et avec leur handicap?

TH : Je ne sais pas d’où ça vient pour être honnête. J’ai toujours été intéressé par des personnes qui souffrent sur les bords. La vérité à propos du métier de réalisateur est que c’est une lutte constante. C’est une chose très masochiste. Vous êtes très rarement heureux, vous êtes quasi-constamment hanté par le sentiment qu’il y a quelque chose que vous auriez pu mieux faire, et votre santé mentale est très fragile. D’une certaine façon, je m’identifie aux personnages dramatiques qui sont coincés dans leurs luttes. Bien entendu, je ne me compare pas aux niveaux de souffrance de mes protagonistes.

« La vérité à propos du métier de réalisateur est que c’est une lutte constante. »

AJ : Comment était-ce de travailler avec Eddie Redmayne en tournant quelques unes des scènes plus osées, comme le nu par exemple?

TH : Il est un modèle de professionnalisme. Eddie serait davantage préoccupé par l’idée que vous trouviez la situation difficile, telle est sa volonté de mettre les gens à l’aise. C’est plus important pour lui que de se soucier de soi. Plus précisément, à propos de cette scène, c’était assez spécial. Dû à la nature de la scène, nous avions pris congé d’une grande partie de l’équipe de tournage, et il y avait un très petit nombre de gens autour de la scène. Il y avait ce sentiment que nous étions en train de tourner quelque chose de très puissant, mais parfois, en regardant les images, on ne ressent plus la même magie. Cette scène était un moment très touchant, et ça l’est resté jusqu’à la projection. C’était le tournant pour le personnage.

AJ : Aviez-vous parfois eu le sentiment d’être trop rhétorique dans votre approche? Dans le sens où, avec la scène de fin par exemple, vous jouez souvent avec le symbolisme.

TH : Je trouve que le film m’autorisait un peu de licence artistique, étant donné que les deux personnages principaux sont des peintres, et des personnes très visuelles. Donc, il y a de nombreuses métaphores visuelles travaillées dans le film, telles que l’utilisation de l’eau. Comme Venise, Copenhague est une ville de canaux, et nous voyons des reflets dans des cours d’eau à travers tout le film. Lili prend le nom de la rivière Elbe par exemple. Mais c’était un équilibre délicat à trouver.

AJ : Vous aviez dit, à propos d’Eddie, qu’il y avait une sorte d’anxiété. Pour lui, l’aspect physique du rôle était-il moins compliqué que le travail mental de se transformer en Lili?

TH : Je pense qu’Eddie a ressenti de façon très forte la responsabilité de jouer un protagoniste trans, une responsabilité envers toute la communauté. Il a énormément recherché le rôle avant que l’on ne commence le tournage; une année entière de préparation. Et c’est ça qui est incroyable. C’est fascinant de voir à quel point, au moment de tourner une scène, toute la recherche, toutes les rencontres et toute sa préparation ne lui font ressentir aucune pression. Il est toujours dans le moment présent. Il y a toujours des risques que, lorsque la caméra s’enclenche, toute cette préparation devient préoccupant et on oublie comment jouer tout ce que l’on a appris. Mais il a ce don de toujours le transformer en quelque chose de jouable.

AJ : Au début du film, nous voyons que Einar et Gerda vivent un mariage heureux, et ils s’aiment profondément. Y avait-il un moment où tout semblait trop beau, trop parfait?

TH : En fait, Lana m’avait dit de m’assurer que tout ne semble pas trop idyllique initialement. Et de nombreux indices le montrant sont visibles, tels que Eddie allant dans l’opéra et la façon dont il manipule les textiles, ou comme il regarde le personnage d’Amber Heard, ou même lorsqu’il est dans la galerie d’art. Tous ces éléments sont des indices, comme les chemises aux cols relevés qu’il porte et qui devraient vous faire ressentir comme si il portait une armure. Mais on se doit de mettre à l’écran les conséquences potentielles pour leur amour. Il y avait toujours cette quête d’équilibre entre montrer ce qui n’était pas parfait dans leur amour, mais aussi de montrer à quel point cet amour fut fantastique dès le début.

AJ : Connaissiez-vous Lana Wachowski avant ce film?

TH : Non, c’était à travers Eddie que j’ai eu la chance de la rencontrer. (Ndlr : Eddie et Lana Wachowski ont travaillé ensemble sur Jupiter, Le Destin de l’Univers).

AJ : Est-ce que réaliser des films correspond à ce que vous vous imaginiez lorsque vous rêviez de percer dans le milieu?

TH : C’est probablement bien plus pénible, dans le sens où je ressens la difficulté sur le tournage en tant que malheur personnel. Le système de notre corps, heureux ou malheureux, est connecté au baromètre de ce qui se passe sur le tournage. C’est donc une chose épuisante que de réaliser des films. Pour être honnête, je me rappelle de films que j’ai fait en tant qu’adolescent où j’étais en larmes. C’était l’époque à laquelle physiquement faire un film était une chose plus compliquée, avec le chargement de la pellicule, les caméras mécaniques, le changement, et lorsque les choses tournaient mal, c’était très décourageant.

« Je ressens la difficulté sur le tournage en tant que malheur personnel. »

AJ : Que pensez-vous d’Alicia dans le premier rôle?

TH : J’ai toujours pensé que, pour The Danish Girl, Alicia et Eddie jouaient des personnages complètement égaux. Cette histoire est autant la sienne que celle de Lili, donc c’est bénéfique. C’est tout autant l’histoire des partenaires de personnes qui vont à travers une transition, que celle des personnes qui la traversent. Et j’adore le fait que le monde en parle; je pense que c’est important.

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J’ai obtenu en septembre 2013 mon Master de HEC Lausanne et je m'occupe ainsi de la majorité de l'aspect commercial et partenariats du webzine. C’est avec enthousiasme que j’ai rejoint David, Hervé et Sven en mai 2014 pour créer Le Billet, et je me réjouis d'y contribuer dans la durée!